看《七人樂隊》的經歷，充滿自娛自樂的歡快感，每個段落開始前，就準備好要從銀幕信息里快速判斷這是哪位導演的作品，故事展開的過程中，又想從轉瞬即逝的畫面里找到更多關於香港電影的彩蛋。
因為這七位的個人風格都太鮮明了，猜導演一點都不難。而想要從構圖、配樂、剪輯、台詞中看到更多香港電影的韻味，也是影迷和導演的默契。畢竟，期待《七人樂隊》的理由千千萬，最重要的，還是這幾位導演的存在。
洪金寶、許鞍華、譚家明、袁和平、杜琪峯、林嶺東、徐克，這些香港電影史中加粗高亮的名字，分別拍出自己心中的香港故事，這是他們寫給香港的情書。
01
時代光影
《七人樂隊》原片名是《八部半》，同名費里尼的作品，計劃由八位導演共同完成，從香港的五十年代到未來，各抽取十年為故事背景去展開。
在創作過程中，吳宇森導演因為身體原因退出，2018年，林嶺東導演因病去世，從2015年至今，輾轉七年，我們終於看到《七人樂隊》的真面目。
總覺得電影單薄了一點，有限的篇幅，簡單的故事。想了想這是七位大導，也許不該僅從文本層面去談論它。把視角抽離出來，從歷史、文化、家國的角度去體會，能看到超出敘事本身的感情和意義。
《練功》是洪金寶少年時期的回憶，一方天台就是他生活的全部。電影裡很多細節讓人想起《龍虎武師》，「功夫片」是香港電影特別的片種，原來那些瑣碎的基本功有如此生動的名字，而一代代師徒的傳承，讓香港功夫片輝煌屹立，成為影史經典。
很喜歡當中孩子們在樓上練功，師傅在樓下聽聲就能判斷出動作的那段，一層樓板之間，就是香港功夫片騰飛的空間，虎頭虎腦的孩子們，從狹小的天台，靠自己摸爬滾打，終於走進電影世界。
《校長》講了可親可敬、春風化雨的教育工作者為了學生鞠躬盡瘁的故事，有非常許鞍華的氣息。淳樸、溫情、細膩、自然，潤物無聲，淡淡悲喜。搗蛋的學生在街頭遇到老師，熱情地招待她，還體貼地拉一塊木板給她遮擋，小男子漢的心性和對老師的尊敬不動聲色地體現出來。校長和王老師東方氣韻的知識分子形象，與香港的文化自信無形契合。
《別夜》很「新浪潮」，就像譚家明一樣難以定義。很久沒有在大銀幕看到如此強烈的影像風格。那些糾結的愛欲、晦澀的詩意、充滿哲思的戀人絮語，那些跳躍的剪輯、刁鑽的特寫、激烈的色差，即將分別的痴男怨女，鄭重地迎接青春的生離死別，一切的不確定和不可知都被這個夜晚見證。
《回歸》乍一看很不像袁和平的作品，就像徐克說的，得知洪大哥和八爺也拍，驚訝動作片用這麼少的膠片，怎麼弄啊，很麻煩的。
《回歸》講的是一個溫情的家庭故事，八爺用一對祖孫互相了解、互相接納的過程，拍出了香港兼收並蓄、包容多元的一面，裡面充斥著會心一笑的幽默和妙趣橫生的互動，元華演出了鬼馬爺爺的可愛和孤獨，武術冠軍老了，他獨守香港，日日習武，渴望陪伴，看的過程中不自覺的地想到這些導演的狀態，他們在家庭中的柔和和風趣，他們對自己熱愛的事業的執念。
《遍地黃金》裡投射了杜琪峯的思考，一間茶餐廳，見證了香港三次起落，大時代，小市民，風雲巨變，人性豪賭。杜sir的篇章整體的完成度很高，以小見大，工整流暢，適當留白，意味深長。他用幽默和開朗的方式刻畫人的貪婪和恐懼，又悲憫，又有趣。他觸到香港的脈搏，也看見香港的陣痛。
《迷路》作為林嶺東導演的遺作，溫柔又哀傷。多年在外的父親，無措地接受香港翻天覆地的變化，他看著香港日新月異，飛速發展，只能在追憶里迷路，在失落里懷念。他心裡裝著故土，眼前卻是鬧市，妻兒近在咫尺，找不到接近他們的路。能看出他對香港這座城市的愛，哪怕物是人非，依然溫柔依戀。
《深度對話》是徐克不得以的創作，因為抽籤時沒在，所以留給他的只剩未來的命題。但徐克導演和這個命題非常契合，他永遠有數不盡的奇思妙想，腦洞開得很大，心態非常年輕。他自我剖白電影人都有點神經病，希望能分享自己創作時的感受，這些調侃自嘲、自娛自樂，充滿對電影本體的思考和審視，文本反轉，態度開放。
02
致敬膠片
《七人樂隊》的大主題是「致敬膠片」。七位導演成名立業於膠片年代，用膠片創作、成長，在香港電影的黃金時代，所有電影都是膠片拍攝的。為了紀念香港電影人緊密協作、用心拍攝的膠片時光，《七人樂隊》全片用膠片拍攝。
今天，片場不再有導演懷著「還剩多少膠片」的危機感，邊拍邊怕膠片不夠。作為觀眾，我們對膠片的感情沒多深刻，也意識不到它和數字影像有多強烈的區別。回想小時候看一些關於電影的節目，開場時會用膠片放映機的聲音做引入，「嘎達」一聲，嗡嗡作響，懷舊的氣息撲面而來。今天再提到電影開始的聲音，大家想到的也許都是龍標了。
相比數字影像，膠片更具電影的質感，有高飽和度的色彩，有豐富的層次，有顆粒感，能長久保存。大銀幕總是奢侈的，因為這份奢侈，大家會在籌備項目時更加謹慎、嚴肅，會在拍攝現場更加專注、認真，會拿出更專業的態度去緊密合作、互相信任，會更珍惜片場每一聲「action」。
03
香江史話
關於《七人樂隊》的討論，繞不開它像《我和我的xx》序列，大家都覺得《七人樂隊》別名《我和我的香港》。
可是《七人樂隊》很小很美很私人，也不算響亮的獻禮片，它更多是這幾位導演自發地表達對香港的感情，對電影的愛護，對膠片的懷念。
他們是一場老友重聚，所有導演都沒有拿錢，義務勞動，把有限的資金全用在拍攝上，聊起加入這個項目的緣由，導演們都提到「能用膠片拍攝，非常開心，拍膠片是我們的心願。」，他們希望能為香港、為香港文化、為香港電影留下一些東西。
他們沒想過做拼盤電影，杜sir發起，大家響應，考慮的更多是講自己心裡的故事，說自己想說的話，一邊感慨「製作費要省著用」，一邊說「拍得很過癮、很值得。」他們沒有市場的壓力，同時也不知道影片全貌到底如何，只想講出自己的感情，終於這個事情實現了，「拍電影就是把想像的不可能做出來」，他們完成了「留給自己，留給觀眾，留給電影工業很重要的事情。」
04
霓虹到此
走出影院的時候，對《七人樂隊》的感受相對平淡，也會不由自主地想給導演們交的作業排個序，打個分。
在著手要寫它之前，去看了新浪電影的微首映，再敲下鍵盤的時候，心情已經完全不同。好久沒看到這些導演的臉，可愛、有趣、真誠、直接，徐克好幾次抓頭都讓人忍俊不禁，聽到許鞍華爽朗地大笑，自己也跟著樂起來。
七位導演都經歷過香港電影最輝煌的時刻，他們曾作為輝煌的一部分，分別在影史留下自己的印記。時光流轉，他們親歷了膠片的消失，適應了數碼的時代，劇組從十幾二十人的隊伍到今天成百上千的規模，回到《七人樂隊》，他們投入其中的感情必然厚重而綿延。
杜sir說，電影工業帶動香港很多東西，電影文化是香港很重要的一部分，他們曾告訴世界，有一個拍電影很厲害的地方是香港。
看到有調侃說，《七人樂隊》排片不多，觀影門檻比較高，所以觀眾往往不足七人，坐在影院的時刻，更能感知到這種冷清。還是希望大家能看到這部電影。
霓虹到此，傳奇永存。
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