Kelly Wearstler以客座編輯的身份
登上《Wallpaper*》國際版封面
身著Balenciaga上衣及褲裝，Staud夾克和Moncler墨鏡
拍攝於她位於比弗利山莊Hillcrest宅邸的臥室中
Kelly Wearstler位於希爾克雷斯特（Hillcrest）的家，是一幢面積1115平米的六臥比弗利山莊豪宅，也是本期封面拍攝的背景。2006年，她從聲名顯赫的Broccoli家族（詹姆斯·邦德系列電影的製片方）手中買下了這處地產，並由此開展了奧斯卡級別的修繕裝修，在展現建築歷史的同時為之賦予當代氣息。如今，她與丈夫、兩個兒子和兩隻寵物狗居住於此。
Wearstler在其比弗利山莊宅邸的走廊內，身後是一面來自法國的1980年代落地鏡，腳下是一張北歐復古地毯。她身穿Tako Mekvabidze套裝、Giuseppe Zanotti鞋履，配飾為Prada包袋和Lillian Shalom戒指。
起居室內設有一張1970年代的茶几和Mansour地毯，桌面上放置著Brecht Wright Gander裝飾碗和Daily Edited手機殼。Wearstler身穿Marc Jacobs西裝外套及褲裝、Dion Lee胸衣，配飾為Lillian Shalom戒指
儘管Wearstler因其對鮮活色彩（例如清爽的Citrona柑橘色和薄荷般的Palm棕櫚色，兩種她與Farrow & Ball近期合作推出的牆漆色彩）的大膽運用而聞名，她的私人宅邸卻由柔和的色調主導，靜靜地映襯著她引人矚目的藝術收藏，藏品包括Victor Vasarely、Misha Kahn和Hector Leonardi等人的作品。個性平靜恬淡的她並不喜歡彬彬有禮的好品味：她更偏好具有「挑釁性」的設計（她將在今年秋季發布的Butt手工切割大理石矮凳就是一個證明，座椅後部的線條描繪了使用者的後臀廓形）。
Wearstler將於今年秋季發布新款Butt大理石矮凳，座椅後部的線條描繪了使用者的後臀廓形。這些設計在經由3D建模後手工雕刻而成。
Wearstler欣然接受了來自Wallpaper＊的客座編輯邀請。作為客座編輯，Wearstler有意深入探討當代設計的兩個面向——科技與工藝——以及二者交融的可能性。「清晰明確的方向和開誠布公的溝通是重中之重，」談及迄今眾多項目的設計線索，她這樣說道。「我不喜歡重複我們已經做過的設計，我喜歡演化和前進。我總是在不斷學習，試著讓設計更上一層樓。同時，我也保持著好奇心，不斷再創造，努力做出獨具一格、打破常規、不限於傳統的設計。」
將各式圖案背景、藝術佳作和復古設計完美融合，Kelly Wearstler的室內設計總能引人入勝，帶來驚喜。在這裡，空間的溫度和肌理始終是由她把關的第一道關卡。
敘事貫穿了Wearstler的眾多合作項目。位於洛杉磯的Downtown LA Proper酒店（奢華生活方式酒店集團Proper Hotels的地產之一）就是一枚典例，該酒店由Brian De Lowe、Alex Samek和Brad Korzen聯合創辦的Proper Hospitality管理。曾任Viceroy酒店集團執行長的房地產開發商Korzen正是Wearstler的丈夫，他將Viceroy從一間酒店發展為了擁有4,500名員工的酒店品牌。Downtown LA Proper酒店所在的建築始建於1920年代，原初是一座酒店，後來成為了基督教女青年會會址。開發商希望Wearstler能夠以富於新意的手法來裝飾其中一間套房高5.5m的天花板。該空間曾是一座籃球場，這讓她想起了荷蘭藝術團體Rotganzen創作的「滴水」迪斯科球系列雕塑，其中一件恰好是從籃球框中溢出的迪斯科球。「我喜歡這種風趣和幽默，它們消解了藝術與設計之間的邊界，」她感嘆道。在委任藝術家為她的線上畫廊定製150件簽名限量雕塑的同時，她自己也收藏了其中一件。
由Kelly Wearstler主持設計的洛杉磯Proper酒店大堂採用了Morgan Peck的接待台，並裝飾著藝術家Abel Macias的壁畫。攝影：The Ingalls
在奧斯汀Proper酒店的地中海餐廳The Peacock，裝飾牆面的瓷磚在你品嘗美食之前就已經講述了關於菜單的故事。在拜訪了一家經營80年之久的家族公司之後，Wearstler特地從葡萄牙採購了餐廳所用的瓷磚。「我得到了一批美麗的滯銷瓷磚：某種花紋的可能只有四塊，另一種也許有十塊。最後，我大概用200種不同的瓷磚組成了一種波西米亞式的、非常奧斯汀的拼貼作品。它具有在地性，敘述了當地社群的故事。」
Wearstler對圖案紋飾的掌控在奧斯汀Proper酒店的設計中得以充分展現。在光線充足的大堂內，格紋天花板與幾何鑲木地板彼此呼應，而她從德克薩斯州高點市採購的一件復古家具（下圖）與木質鑲板相得益彰。攝影：The Ingalls
當你在Wearstler設計的酒店落座時，你會產生躺在自己最時髦的朋友家中的錯覺。「我會以同樣的視角去看待酒店和住宅設計，」她表示，她傾向於通過肌理和關注點的疊加來創造吸引人又考慮周全的空間，這就好比隨著年歲流轉去組建家居環境。「酒店可以成為當地人社交聚會的中心，」她指出，並表示自己就經常在聖莫尼卡Proper酒店（一個「性感的酒店項目」）開會或放鬆。這家於2019年開業的酒店啟發了她的最新家具系列「Morro」，其名暗指1970年代法國和義大利設計中常見的「巨石」家具。「這個系列的創作很自然。我們當時需要為聖莫妮卡Proper酒店定製一種特定尺寸的桌子；它需要呈圓弧形、觸感有機，像貝殼那樣圓鼓鼓的。設計打樣很成功，我們就進行了生產，隨後又延展出了邊桌等其他設計。」
聖莫妮卡Proper酒店：這家海濱酒店風格內斂而精緻，由造型獨特的接待台引入，其標誌性的再生硬木地板飾有八邊形紋樣，靈感來自沙灘傘的形狀。攝影：Matthieu Salvaing
就在這個夏天，Wearstler發布了自己與The Rug Company的第九個聯名系列，這場合作迄今已持續14年之久。新系列名為「超現實幻影」（Surreal Shifts），如畫作般美妙的地毯由The Rug Company的手工藝人用西藏羊毛和絲線織就。不過，樂於反思和重審既定規則的Wearstler在嘗試顛覆傳統的工藝觀念。以她與擁有兩個世紀歷史的室內裝潢公司Lee Jofa從2006年開始的合作為例，其最新聯名系列分別在義大利、比利時、土耳其和美國製造，每家工廠都因其獨有的提花或印花工藝技術被選用。
在Wearstler為The Rug Company設計的第九個系列中，如詩如畫的地毯由工匠以羊毛和絲線手工編織而成。圖中所展示的地毯自上至下分別為「區域」（District）、「飛瀑」（Cascadia）、「波長」（Wavelength）和「先鋒形變」（Avant Shaped），背景為John Sowden宅邸，建築名家Frank Lloyd Wright的經典作品之一。
面料設計通常會涉及到紋樣手繪，但在為Lee Jofa創作的新系列中，「我們做了一些不一樣的嘗試，」她自豪地介紹道。「其中一種面料是用數字應用設計而成的，還有一種是在建築程序里完成了設計。接著，我們會3D列印這些設計，以此確認它的立體效果，再委任工廠生產面料打樣。我們的創作始於數位設計而非手繪，且通過面料實現了受3D設計啟發而誕生的設計。這是一種非常有趣的轉換。」
Wearstler和Lee Jofa合作的最新系列，
帶來多元圖案、織法、刺繡和牆飾，
靈感來自山景和復古時裝等不同界別。
儘管Wearstler被數字世界的新領域所吸引，她的作品卻還是保留著手工痕跡。她對蒙大拿州雕塑家YehRim Lee手工製作的滴漆陶瓷家具「很是迷戀」，在洛杉磯的一個項目中便選用了她的作品。「她的表達和風格都很獨特，」Wearstler解釋道。「而且她總是有著開放的態度，我喜歡這種敢想敢做的能量。」據Wearstler透露，她將與Lee在2022年末揭曉合作項目。
由YehRim Lee設計的Terra Drinks Table系列結合了韓國傳統的onggi工藝和特殊的上釉技術。由於赤土石的性質和燒制過程，每件作品都呈現獨一無二的外觀。
第六系列Collection VI
圖中在TriStone & Tile展廳內展出的Morro座椅由Wearstler設計。兩種面料都來自她與Lee Jofa的第六個合作系列，該系列由十種織物設計組成，選用了設計師鍾情的大地色系。
通過社交媒體（這是她關注創意人的常用渠道），她結識了阿根廷數位藝術家Andrés Reisinger，並稱他為「數位藝術領域真正的先覺者」。她也欣賞美國跨領域青年藝術家Honor Titus的筆法和色彩運用，後者將於11月在泰勒畫廊的倫敦空間舉辦個展。她還與同為加州人的Mary Weatherford對洛杉磯抱有同樣的熱愛，醉心於她大膽而抽象的作品（「我可以在她的畫作前坐上幾個小時」）。在Instagram上互發信息兩天後，她就將「擁有好奇的靈魂、熱愛設計的」R&B歌手Brent Faiyaz請到了工作室。多年以來，她持續購入時裝設計師Dion Lee極富雕塑感的設計，因為他的設計「改變了性別定式」。
不僅如此，Wearstler還樂於關注於元宇宙之中的「西大荒」。「為Web 3.0做設計的激動人心之處在於，一切都以創意為先，」她說道。「這裡沒有設限，沒有生產製造的困擾，你可以自由發揮。」她還指出，「虛擬空間是更易觸達的空間。」在2021年4月，她發布了為悍馬新款電動車型EV設計的虛擬車庫。這是這位設計師開拓的新板塊，更是她所享受的挑戰。當營銷機構Ranaverse初次帶著提案與她會面時，「我的工作室里並沒有人知道要怎樣完成這項設計，但我們決定著手嘗試，最後摸索出了方法，」她語氣篤定地說道。為了打造未來主義風格的地下空間，她的團隊先在工作室內設計出所有的線框，再以手稿為基礎進行搭建，最後藉由3D視頻進行了呈現。
為了慶祝悍馬首款電動車型在2021年成功發布，Wearstler的工作室團隊特別設計了一座概念車庫。這座數位建築的設計靈感來自約書亞樹國家公園的自然風光，以及荒漠間的粗野主義建築和中古建築。
Wearstler對元宇宙所蘊含的現實潛力尤其感興趣：「我們為虛擬車庫設計了一些家具，而後在我們的系列中實現了這些設計。」與之類似，她專為自己與美國燈具製造商Tech Lighting的首個合作系列打造了一處線上空間。數位工具可以幫助設計師駕馭照明設計中的挑戰，精準編排LED微型晶片散發出的光線冷暖、色調與光線投射方向。其中所需的不僅是設計視角，還有技術支持。為此，團隊中的四位照明設計專家進行了大量3D列印試驗，以此檢查設計縱斷面。「當設計進入如此精微、流線的領域，而光源又是如此之小時，這就像是在設計一塊腕錶，所有部件都必須嚴絲合縫，」她介紹道。「內部隱藏了許多你看不到的精巧機關。」
Tech Lighting的全新Ebell落地燈和檯燈在Kelly Wearstler工作室打造的數字空間中首次亮相，這組燈具纖細的圓柱金屬主體上設有拱頂狀的玻璃稜鏡。
這一虛擬空間陳列著由Felix Muhrhofer設計的家具。這位奧地利設計師以他的水磨石設計吸引了Wearstler的注意。
在進行以上項目的同時，Wearstler還為她的西好萊塢工作室聘請了幾位數位設計師。那她相信元宇宙的未來嗎？「我覺得它鋪展了創意無限的前景，我相信它全力發展的潛力。」2018年，Wearstler正往返於洛杉磯和舊金山，負責兩個LEED能源與環境設計先鋒認證項目，她由此注意到了荷蘭設計師Dirk van der Kooij頗具意趣的家具設計，後者的慣用媒介是回收和廢舊材料。「我看到了一款形似揚聲器的燈具，它的側面有兩個轉盤，你可以用它們調控光線的冷暖。接著，我又發現它們完全是以回收塑料製成的。」不久後，她就成為了van der Kooij的北美代理商。
這件來自Wearstler個人收藏，由荷蘭設計師Dirk van der Kooij設計的燈具以回收塑料製成（塑料則來自磨碎的CD包裝殼）。
《Cracked Actor》限量藝術品來自「多麼美好的聚會」（Quelle Fête）系列，由荷蘭藝術團體Rotganzen為Wearstler的線上畫廊特別創作。取洛杉磯星光熠熠的夜晚為靈感。
開展合作是Wearstler創作的重要環節。她經常邀請新興或資深藝術家、陶藝家乃至家具設計師為不同項目定製特別作品。此外，她還鼓勵自己近50人的團隊跨部門合作。「合作與互聯是我們工作室創作的主旋律，」她說道，並在採訪中屢屢提及自己的團隊。
她於2021年在官網上開闢了一個全新的畫廊式可購物展陳區，以此宣傳自己欣賞的藝術家。加州陶藝家Morgan Peck和長居紐約和米蘭的照明及家具設計師Hagit Pincovici就是其二。「我意識到，我可以將自己的平台用作傳聲筒，幫助推廣這些才華橫溢的創作者，」她說道（在Instagram上坐擁200萬粉絲的她完全可以做到這一點）。
上圖：陶藝家Morgan Peck標誌性的瓶子常常使用波浪形把手和磨砂釉面。
下圖：照明及家具設計師Hagit Pincovici與她設計的SELENE櫃。
那麼，究竟是什麼吸引了她的目光呢？「這些創意人各自有著獨到的視角，能讓我由衷感嘆『真的很酷』。愛上了就是愛上了，就像是與某個人一見鍾情一樣。你會感受到一種澎湃的、深刻的感情，」她表示。「另外，不論是從設計還是材質角度來說，這些藝術家都有自己獨一無二的創作特點。」
Kelly Wearstler在此介紹五位才華橫溢的創作者，他們均以獨到的作品贏得了她的青睞。從數位設計、雕塑性時裝，到藝術繪畫和R&B音樂，這位設計師的選擇也反映出其愛好之廣博。
「Andrés是一位視覺詩人，
是數字領域的真正先鋒。」
Andrés Reisinger在2021年創作的The Shipping系列由十件家具設計組成，其中五件實現了實體製作。下圖為系列中的Tangle座椅。
自2018年在巴塞隆納建立同名工作室以來，Andrés Reisinger通過他的創作定義了虛擬世界的風貌與氛圍。偏愛柔和色系、有機形態和超現實環境的Reisinger總會為設計注入出人意料的溫暖，一反數字空間固有的冷酷風格。他融合數字世界與物理世界的能力既讓人目眩神迷，又撫慰人心。不論是他與建築師Alba de la Fuente在元宇宙中聯手創作的《白宮》（White House，2022），還是去年在Nilufar畫廊米蘭空間線下展出的座椅設計（三件既存在於現實生活中，又作為NFT存在的家具），Reisinger始終在不斷推闊邊界，探索讓兩個世界彼此相融的方法。
Reisinger認為，他的作品「映照出了一種不可思議的感受，人們很難辨別這種感受是處於物理還是數字空間，是現實還是幻想。對我而言，數字體驗是對物理體驗的擴展。」他接著說道，「我喜歡挑戰常識並提出問題。我的許多作品都有著看似超現實的形式，有如五臟六腑般的粉紅色調充斥了調色板。在我看來，製造可感可觸的體驗十分重要，這可以讓人們在不同空間維度體會到共通的人類體驗。」
「Dion的風格獨一無二。
他能夠創造出集流動性、
建築性和雕塑性於一體的性感設計。」
Dion Lee 2023年度假系列的兩個造型出自他為西班牙歌手Rosalía設計的舞台服裝。
在時尚風格變幻如風的當下，長居紐約的時裝設計師Dion Lee對性感和感性的精妙塑造堪稱奪人眼目。2009年，23歲的他在澳大利亞雪梨創立了自己的同名品牌，一方面融合傳統剪裁手法和實驗性服裝結構，另一方面對面料不斷鑽研，創造出了實穿且性感的廓形，以及讓膽小者望而卻步的身材自信。
Lee曾一度放棄男裝，專注女裝設計。但在2017年，他恢復了原有的男裝系列。近年來，他通過設計模糊了兩性之間的著衣定式。在2020春夏系列中，Lee特意將女裝系列的主打單品改編為男裝：鏤空背心、吊帶長袖T恤和透視針織衫出現在男模身上，與低腰褲、手拿包和平底涼鞋搭配，由此映射時代精神。這些設計基於Lee個人穿著女裝的經驗，進一步鞏固了品牌以往系列中彼此制衡的男女性別特質。
「以中性視角設計這個系列給我帶來了創作上的啟發。這一系列中的大部分服飾既適合女性，也適合男性，這一考量影響了每一件設計的剪裁、分級和面料選擇，」這位設計師如此總結道。「我們的核心消費者是非常多元化的一個群體。不論是功能性的基本單品、剪裁精巧的中性服飾，還是性感的晚禮服，我的理想是讓很多人都能自如地穿上我的設計。我的設計傳達了一種富於意趣的感性之美，我希望穿著者能夠通過時裝來探索他們的身體。」dionlee.com
「Honor是當今最受追捧的藝術家之一。他的畫作既令人耳目一新，又經得起時間考驗。它們顯然繼承了傳統，卻也充滿生命力。」
上圖：Honor Titus，《在沙灘上》（Sur la Plage，2021），布面油畫。泰勒畫廊（倫敦/紐約）提供
下圖：Honor Titus，《褐石圓舞曲》（Brownstone Waltz，2020），布面油畫。Timothy Taylor畫廊提供
Titus以其畫作的別樣色彩吸引了藝術界的關注。在此之前，他是硬核朋克樂隊Cerebral Ballzy的主唱，這是他在青少年時期與朋友組建的一支樂隊。音樂流淌在Titus的基因中。黑色細線勾勒的邊緣內，他所塑造的無面人物因明澈的色調而充滿音樂般的戲劇張力。那是一系列根據回憶繪製的畫作：一位在紅色天空下穿著白色高跟鞋奔向地鐵的女士；一個穿著樂福鞋在欄杆上晃動雙腿的女孩；一位以極端角度用球拍接球、幾乎扭曲畫作構圖視角的網球運動員。它們既令人摸不著頭腦，又叫人驚奇，其中那份坦誠的揶揄更是讓人喜愛。「在我的首次紐約個展上，我的父母還在《褐石圓舞曲》（Brownstone Waltz）前共舞了一曲，」Titus回憶道，這樣的場景和他的作品再契合不過。
藝術家的全新系列作品將在11月於泰勒畫廊倫敦空間為其舉辦的個展中展出。此番，Titus著眼於傳統主義和階級，對「名媛文化進行了形散神不散的解讀」。他補充道：「在派對上、舞廳里和舞蹈中捕捉穿戴禮服和領結的年輕人，這些瞬間便足以組成一張好畫。它就是如此簡單。」
Titus言語直爽，卻也十分神秘。在講述事實的同時，他還為花飾和戲劇性預留了空間。從流行文化，到諸如Félix Vallotton和Maurice Denis的法國畫家，他的靈感源泉也是如此，既大膽華麗，又細膩浪漫。這樣的Titus是怎樣的一種存在？「我就是一個多愁善感的布魯克林黑人男孩，曾經讀過Evelyn Waugh、與Black Flag和The Strokes一起表演，現在喜歡隨著Charlie Parker的音樂起舞、欣賞Édouard Vuillard和Edward Hopper的畫作。即便這麼多年過去了，我仍然是一個渴望學習的人。」
「Brent的音樂創作超越了R&B的範疇，
在演唱和歌曲創作上獨樹一幟。」
Brent Faiyaz最新專輯《廢墟》（Wasteland）囊括了與Drake、Tyler, the Creator、The Neptunes等人的合作。
對Brent Faiyaz而言，自我保護是首要任務。這位在馬里蘭州長大的R&B歌手不久前在夏季推出了第二張個人專輯《荒原》（Wasteland），以其獨特的聲線吟唱出對愛的渴望。不過，這些歌曲往往會將女主角置於尷尬的境地。有些人認為這是不健康的創作方式——就好比花哨版本的亞特蘭大說唱巨星Future，在他的音樂世界中口無遮攔、無所顧忌，仿佛女人不過是滿足他一時所需的臨時供給。
但Faiyaz會對自己的歌曲加以闡釋，他的創作也在年輕樂迷群體中流行了近十年。不論是充滿活力的表演，還是柔腸百轉的旋律，這位歌手將20代生活之中的浪漫拉鋸、現實壓力和對未來成功的憧憬一一道來。在他的敘述下，這一切都成為了真實可感的困境。
多位超級明星參與了《荒原》的演唱，這張專輯也將Faiyaz的事業推上另一個高峰，這是他年少時做夢都不曾想見的成功。「這次我想要全力以赴，」他如此總結道。「就合作而言，我找來的大多是平時一起廝混的朋友，此外還有兒時的偶像，比如The Neptunes、Drake，還有Alicia Keys和The-Dream。十二三歲時的我要是知道這一切，一定會喜出望外吧。」
「Mary將霓虹燈與畫作的筆觸並置，
由此調動出令人訝異的張力。」
Mary Weatherford，《馬西亞斯的凌遲——4500三叉戟》（The Flaying of Marsyas—4500 Triphosphor，2021-22），亞麻布、閃光和霓虹燈。
儘管這位藝術家當下的創作主要由寬闊而抽象的筆觸和顏料層層疊加的粘性肌理構成，這並非其作品的單一形態。Weatherford已然歷經了多個階段的手法變化——從貝殼、海綿和海星的拼貼組合，到銳度極高的抽象畫，再到圖像挪用和攝影——創作主題亦如是，性別和建築等話題在她的作品中彼此碰撞。她唯一不變的習慣，就是在地面或桌面上水平繪畫。「30年來，我一直沒有改變這種畫法，」她介紹道。「我最近剛訂製了一個完美水平的畫台。畫布固定好後，即便我直接把顏料倒在畫布上，顏料也不會流動。」
她的靈感來源多種多樣——「你說有什麼就有什麼，」她開玩笑道。不過，其中有一個名字很特別，那就是美國民謠音樂人Dave Van Ronk，Weatherford曾在1990年代期間跟隨他學習吉他。「那三年間，我每周四晚都會去他在紐約謝里丹廣場的公寓上課，」她憶述道。「他教會我練習的方法，這種方法被我延續到了繪畫中。Van Ronk是我最重要的藝術導師之一。」
2012年見證了其藝術家生涯的另一個重要轉折。在加州州立大學做訪問藝術家時，Weatherford曾驅車觀光貝克斯菲爾德（Bakersfield），隨即被沿路的工廠、商鋪、餐館和廣告位上的霓虹燈招牌所吸引。在《貝克斯菲爾德計劃》（The Bakersfield Project，2012）中，Weatherford首次運用了蜿蜒的霓虹燈管，而這一元素將繼續勾勒她最具代表性的一系列作品。霓虹燈管就像手繪線條，在巨大的亞麻畫布上起伏（在格里馬尼宮展出的作品也是如此），神聖又具有工業感，干預著畫布上的黑、灰、紫和銀。
Mary Weatherford，《5a.m.》（1992）亞麻布、弗拉舍和彩墨。
她對男性主導的色域進行了女權主義式的再創作，並重新配置了風景畫的定義。「我將風景理解為歷史之眼，」經常從家鄉加州的開闊景象和空靈光線中汲取靈感的Weatherford這樣表示。「在大多數情況下，風景是穩定不變的。事件在那裡發生，鮮少留下痕跡，風景卻永遠存在，是一切的證人。」
雖然近來國際形勢波譎雲詭，Wearstler卻仍持樂觀態度。「設計是一股向善的力量，也是享樂的推動力。我們的世界所面臨的挑戰有很多，設計則為解決現實問題提供了許多方案，讓我們的生活更輕鬆，給我們帶來滋養。創新設計能豐富人們的生活、提振士氣、促進交流，在總體意義上推動正向的發展。它能夠連接你我。」
肖像攝影：Amanda Hakan
造型：Monica Rose
造型助理：Katie Peare
妝容：Maria Vargas
髮型：Nick Flores
撰文：Tilly Macalister-Smith、Pei-Ru Keh、
Aindrea Emelife、Harriet Lloyd-Smith、
Lawrence Burney
設計、編排：張雨新
編輯：hanxi
部分圖片來自網絡